Всегда человек на ее работах в одиночестве, всегда куда-то идет. Будто места ему нет нигде на земле, будто он вечный странник во тьме. Словно вся жизнь, как на ладони. А жизнь это – дорога, дорога, а конца пути нет и нет. И все фотографии глубокие, все сильные, креативные.

Если в работах Флорианы речь идет о красоте, то мы и видим фотографию красоты. Не цветы, не женщина, на поле, а красота на картине! Она так и проникает за предел видимого. Нет обычной фотографии, нет узнаваемой реальности – есть всегда оттенок авторской души, ощущения понятного и простому зрителю. “Как только зритель заражается тем же чувством, которое испытывал фотограф, это и есть искусство.” Именно так и хочется охарактерезовать все, что видишь в работах Флорианы – заражение теми чувствами, которые испытывал фотограф.

Ее работы можно приобрести на специализированном сайте.

А в натюрморте  все не так. Вот если закрыть глаза и представить себе классический натюрморт – стол покрытый парчовой тканью, на нем утка, непременно мертвая ( таковы уж законы жанра, натюрморт – мертвая природа), какой-нибудь кувшин и яблочко с виноградом. Это я кратко описала  элементы, которые составят основу основ натюрморта – композицию.
Композицию можно разделить на несколько видов: пространственная, геометрическая и цветовая. Это целая наука: так разместить эту самую утку с кувшином, чтобы они гармонировали и по цвету, и в пространстве, и по своим геометрическим очертаниям. Есть много секретов, как это сделать точно и по всем правилам. Вот, например, есть такое правило третей – если провести в уме через кадр четыре линии — две, делящие его на три равные части по горизонтали, и две, проведенные по вертикали, — можно вычислить наиболее эффективные зоны кадра: они находятся в точках пересечения четырех линий друг с другом. В этих зонах лучше всего размещать главный объект композиции. Напомним, что у нас, условно, главный объект композиции – утка.

А для создания правильной цветовой композиции у нас есть яблочко с виноградом – и здесь нам не обойтись без понимания “психологии цвета”. Надо знать, что каждый цвет, помимо своей окраски, несет с собой свои ассоциации и свою смысловую нагрузку -теплые цвета  напоминают нам о лете, солнце, тепле, а холодные цвета —  немного отдаляют объект от зрителя и ассоциируются как правило с зимой, холодом, водой.
Также очень важны внутренние связи.Это значит, что яблоко должно сочетаться с виноградом по цвету, в свою очередь, незаслуженно забытый кувшин, должен своим расположением выгодно подчеркивать продолговатую форму утки. И так всё на нашем натюрморте должно сообщаться, перекликаться, увлекать зрителя и переводить его взгляд с одного предмета на другой, создавая своеобразный замкнутый круг.

Вот это я описала идеальный натюрморт. Не правда ли скучно? И вообще не понятно, как при всем  этом еще и суметь сделать свою работу интересной и оригинальной.
А теперь забудьте о классическом натюрморте. Ведь есть такой фотограф как George Rustchev и он тоже создает фотонатюрморты. Но как он это делает!  Невозможно оторваться – столько необычных деталей, эксцентричных сочетаний и креативных мыслей в его натюрмортах. Это не просто “мертвая природа” и даже не просто идеальная композиция – это маленький театр с захватывающими спектаклями. Просто невозможно было представить, что существуют такие натюрморты. George Rustchev позволяет увидеть не просто красивые фотографии и идеальные картинки, мы можем увидеть живые мысли. Джордж смело вышел за рамки обычного натюрморта и дал волю своей бурлящей фантазии. А в результате получил интереснейшие работы, абсолютно неожиданные и самобытные.

В наше время (когда космические корабли бороздят просторы Вселенной) -  это огромная редкость, увидеть работу и мысли настоящего творческого человека. Присмотритесь и вы получите огромный спектр разнообразных эмоций. А самые впечатлительные рискуют получить культурный шок :)

http://photo.net/photos/wintermoon

Кристоф Десань родился во Франции в городе Перпиньян в 1973 году. Свою фотографическую карьеру начал в 34 года. Начал работать сразу с цифрой и не понимает тех, кто считает, что лучшие фотографии можно делать только с использованием серебра. Его работы уже печатаются во многих изданиях и приносят ему не малую прибыль. Он использует все возможнсти компьютерных технологий, проще говоря – фотошоп у Кристофа занимает не последнее место в процессе получения той самой чарующей картинки.

Замечательные работы Кристофа нельзя назвать в полной мере фотографиями. Он серьезно дорабатывает сырой материал в фотошопе. По сути, творит заново картину. Моральный вопрос этой темы уже поднимался. Давайте не будем заниматься подобным препарированием процесса создания, а будем только наслаждаться результатами работы вдумчивого художника.

Миниатюрный человек очень часто основной герой картин Кристофа. Только силуэт, только намек на присутствие, никаких личностей, характеров и типажей. Этот маленький человек, понятное дело, каждый из нас. Главное – что его окружает. И что бы это ни было – здание, коридор, лес, море – он всегда маленький и всегда один. Почти один. Часто с ним стая птиц, которая  заставляет принимать кадр его не таким безжизненным.

Как и в любом абстрактном искусстве, в его снимках можно увидеть несколько параллельных смыслов. Постараемся раскрыть тот, который увидели мы. Человек в своем одиночестве. Умный человек, ощущающий жизнь не только как череду удовольствий и неприятностей, а впитывающий глубину и смысл всего мира. Такой человек остается одиноким. Это тот, который не прячется от самого себя в толпе таких же; это человек, который протаптывает свою дорогу и гнет свою линию. Он в конце концов начинает ощущать свое одиночество. И, наконец, все до одного со временем подходят к своему последнему делу – смерти. И каждый в эту самую минуту испытает самое страшное одиночество. Никто не сможет понять, посочувствовать или изменить эту ситуацию. Очень грустно и очень реалистично все это. Не так страшна смерть, как страшно, что это навсегда…

http://midnight-artwork.com/pages/indexpag.html

Итак, речь пойдет о креативщике. Человеке, который создает оригинальную историю на фотографии. Когда мы говорив о креативном фотографе, то сразу же у нас возникают ассоциации с рекламным фотографом. Оригинальную идею выгодно продавать. В каждой такой истории фотограф-креативщик воспевает какое-нибудь мыло, пиво или штаны, и конец такой истории один и тот же – иди и купи. А что же не так с Chema Madoz, где он стратил, где реклама! Можно же было на таких идеях заработать миллионы. Запатентовать эти идеи и потом снова продавать их. Но он же испанец, а не американец! Это совсем меняет дело. Для него важно другое. В работах Chema Madoz открывается мир в таких примитивных вещах, что просто поражаешься – как можно было до этого дойти, додуматься, доглядеться. Но что-то же в человеке есть такое, что зажигает в нем спичку, когда он смотрит на этот мир. В руках “Мамия”, в голове какой-то фантастический мир, а в сердце огонь канкистадора – вот как можно коротко описать этого восхитительного фотографа. Абсурд, парадокс, юмор, все собралось месте в студии фотографа. Его “модели” спички, тапки, ведра, книги. С их помощью автор устанавливает связь со зрителем и ведет его по дорогам параллельных вселенных.

Давайте немного “почитаем” его фотографии. Каждый увидит что-то свое. Мы расскажем, что же мы увидели.

Одна из сильных работ – гроб в виде старинных часов. Идейность прочитывается насквозь и загоняет тебя в угол. Самым прямым текстом звучит: “Пройдет время и ты умрешь”. Холодное, одинокое окружение, ни намека на жизнь, ни одной надежды на то, что это не ты там внутри лежишь, а кто-то другой, а ты пришел посмотреть. Суровая действительность на страшных ладонях времени. Еще один нюанс. Есть некий стандарт – фотографировать часы исключительно со стрелками в виде смайлика, т.е. на часах, которые фотографируются должно стоять 13:50 или 10:10 – другого не дано. Посмотрите любые каталоги другого вы там почти не обнаружите. По какому принципу (исходя из каких намерений) Chema Madoz выстроил стрелки на этой фотографии – не известно. Вы предположите, что он не обратил внимания – это не

тот человек, который упустит хоть малейшую деталь. Если будут идеи – оставляйте комментарии.

Еще одна работа, которая будет понятна скорее горожанину, чем жителю деревни. Тапочки с травой. С одной стороны, кажется, что такие тапки будут колоть ноги и что они никак не функциональны. Но потом становиться понятно, что это тапки, в которых босые ноги всегда ходят, как по свежей траве. Куда бы ты ни шел – в туалет, на кухню, на балкон – ты идешь по свежей траве. Хочу себе такие тапки.

Почти в каждой фотографии присутствует юмор, ирония, игривость. Он жонглирует глубокими идеями легко, как фокусник играет с картами, которые то достает их воздуха, то прячет в никуда.

Взвешивание вишен, связанных между собой. По всему видно, что взвесить их объективно нет ни одного шанса, ибо одна тянет (давит на) другую. Какие здесь аллегории? Мы судим людей, хотя сами такие же люди, связанные между собой? Мы не можем никого оценить или осудить, т.к. все связаны одними человеческими законами, одним прошлым? Как ни взвешивай – вишенки тяготеют быть равновесными. На фотографии они так и показаны – идеальный одинаковый вес. Что? Что же здесь прочитать? Как только нас начинают “взвешивать”, мы тут же, используя связи, начинаем подавлять товарища, а себя выручать? Умственно можно любые логические цепочки плести. Здесь, скорее, следует уловить ассоциации, начиная с самого детства. Chema Madoz – ловец ассоциаций.

Пишите свои истории о том, что вы увидели на фотографиях великого Chema Madoz?

Еще больше фотографий на официальном сайте

Эллен Коой… Даже не зная имени автора и фактов её биографии, догадываешься в какую страну переносят нас снимки. Каналы, речки, заливные луга…
Эллен Коой родилась в  Нидерландах в 1962 году, получила художественное образование. Она тот фотограф, у которого надо учиться делать композицию. Эллен создает красивые, мечтательные фотографии, в которых ей удается по-новому интерпретировать традиции фламандской ландшафтной живописи. Фотоработы Эллен Коой демонстрируются во многих государственных и частных галереях по всему миру с 1990 года.
Мне нравятся красивые грустные пейзажи с широким пространством, с ощущением воздуха. Необычно плоская, совершенно ровная гладь рек, каналов, побережья. Спокойная цветовая гамма, зеркальный блеск воды. Автор строит изображения на тонких нюансах серых тонов. Все расплывается в сырой атмосфере туманного дня. Но, несмотря на всю элегичность настроения природы, у зрителя создается впечатление, что всегда рядом веселая Эллен, её друзья, дети. И фотохудожница никогда не упускает возможности использовать свои режиссерские способности. А это неспроста – ведь начинала она свою фотографическую жизнь в театральных кругах. Часто пейзаж не мыслится без человека: фигурки людей играют большую роль в фотокартинах – показ бесконечных пространств голландских равнин и моря, сливающихся на горизонте с высоким облачным небом.
Не так давно Эллен объявила о своем новом проекте “Человек и Природа”. Естественность сосуществования человека и природы – лучшая тема в творчестве фотохудожницы. Трогательны и поэтичны детские образы “вплетенные” в природную ткань. Это и мальчик-мостик, наверняка специально приглашенный автором-выдумщицей для восполнения недостающей детали на узеньком канальчике. И мальчик-ветка, летящий в порыве ветра. И дети-птицы, дружно усевшиеся на деревьях.
А вот кудрявый мальчуган в каких-то зарослях с гигантскими высохшими стеблями-зонтиками. Он не знает зачем здесь посажен, в его лице растерянность. Но он как все дети с удовольствием использует возможность обустроиться в норке-домике. И ему очень здесь нравится!
Какой бы замечательной и “умной” не была цифровая фототехника, многое в успешности кадра зависит от автора-человека, в чьих руках находится фотоаппарат. И художественное чутье  позволяет Эллен Коой создавать свои шедевры.

http://www.ellenkooi.nl/

Первая выставка самонадеянного француза состоялась в 1953 году, и она принесла ему не славу и успех, не деньги, а союз который станет главной его страстью на многие годы – союз с журналом Vogue. Их сотрудничество началось в далеком 1955 году и продлилось 30 лет. 30 лет плодотворного труда, за который Бурдену присвоят множество наград и провозгласят его первым и главным фэшн фотографом современности.

Этот журнал создавался целиком и полностью для женщин, а потому именно их должен был снимать ведущий фотограф. Бурден делал это с большой любовью и энтузиазмом, выработав со временем свой неповторимый оригинальный стиль. Женщина в его исполнении затянута в тугой корсет, обута в неудобные туфли, на тонких острых шпильках, накрашена как фарфоровая кукла и поставлена в самую не удобную позу какую только можно выдумать. Да, Бурден великий фантазер. Придумывая образы и сюжеты для своих снимков, он будто хотел проверить на прочность своих моделей, многие из которых зачастую не выдерживали фотосессий требовательного мастера. Поза и колорит, по его мнению, были определяющими в фотографии, именно они создают напряжение и заставляют смотреть на снимок.

Его занимали вполне традиционные в сегодняшнем обществе вещи – секс, жестокость, блеск и гламур. Это не простые ” изощренные” темы, а потому и средства для их воплощения не могли быть простыми и понятными. Чем сложнее тем лучше. Рассматривая его сложные работы,  на ум приходит мысль, что фотограф любит вещи которые рекламирует, любит и знает как их показать, чтобы и другие их полюбили. Обувь, сумки, белье – эти предметы на его снимках становились желанными и необходимыми. Любит вещи, и не любит женщин. 

Так на снимках 70-х годов, созданных для рекламной компании Charles Jourdan девушка в странной позе стоит на асфальте в изумительно красивых туфлях. Ей не удобно – и это видно, понятно, что она так стоит только, чтобы показать нам свою роскошную обувь. Любой другой фотограф постарался бы создать естественное фото, создал бы гармоничную картинку где модель непринужденно демонстрирует себя и свою одежду. Но Гай сделал все наоборот –  для него главное туфли, к ним он подобрал, вернее сотворил подходящую девушку, сделал ее такого же мелово-розового цвета и можно сказать придал ей схожий фасон.

Снимая каталог женского белья для Bloomingdale,  Бурден отказывается от намеков и скрытых подтекстов, он гонит прочь томных красоток. Все прямо и открыто – женщины в дорогом белье в самых изощренных позах “загорают” прямо на капотах машин. Он создает, что-то вроде полицейской съемки, направляя резкую ослепительную вспышку прямо в лица девушек, добиваясь тем самым эффекта “разоблачения”, будто уличил их в чем-то незаконном. Тем самым он превращает обычную рекламную акцию в некий перфоманс, фотопроект.

Работы автора, как правило не нравятся, пугают, хотя несомненно вызывают интерес, но как бы к нему не относилась публика, его нельзя вычеркнуть из истории искусства, забыть и сделать вид, что такого автора не было. Нельзя в первую очередь оттого, что за самый короткий срок у него появилось множество почитателей, образовалась целая фотошкола. Эта школа фотографии создавала художников, предпочитавших хэппи-эндам трагедии, улыбкам надломленность и страх. Выходцем из этой школы можно назвать режиссера  Мана Мондино, который снял для Мадонны клип на песню Hollywood. Здесь влияние скандально знаменитого фотографа очевидно настолько, что порой кажется, что эта пленка принадлежит Бурдену.

Гай Бурден это бунт 70-х. Создатель стиля “черной кожи” не боялся критики и нападок. Его обвиняли в “сексизме” и “декаденщине”, его работы не признавали и ругали, но при этом ни одно рекламное агентство, ни один глянцевый журнал не помышлял рвать с ним контракт. Почему? да потому, что его искусство было спорным и скандальным, пугающим и сложным… таким же сложным,  как и жизнь, которая его породила, жизнь 70-х годов.

http://www.guybourdin.org/

Намико Китаура – фотограф из  Японии. Она родилась в 1977 году. Из  своей  родины, страны восходящего солнца, она уехала несколько лет назад, «бежала», как пишут многие источники. Бежала от чего,  куда, и с какой целью? Может, её душа искала лучшего, чего не было там? По нраву оказался ей Европейский Запад. Она жила в Англии, где работала в качестве наёмного фотографа, затем в Италии, на студии Fabrica, являющейся придатком исследовательской компании Benetton. Её яркие работы можно увидеть в постерах United Colors of Benetton.

Глянцевые журналы, такие как, Flair, Amica, Marie Claire,The Face, и Sprout, предлагают контракты Намико. Фотосессии Китауры можно увидеть на страницах модных глянцевых журналов, таких, как  Vogue, Wallpaper и Rolling Stone.  Зритель отметит для себя  аккуратный фэшн в её работах.

Есть понятие «загадочная русская душа», про неё говорят-«загадочная японская душа», поскольку в её фотографиях, сделанных «для души», отмечается некоторый романтизм, который понятен не каждому зрителю. Многие критикуют этого фотохудожника, называя достаточно скучной, и работы которой вызывают мурашки по телу, смотреть не особо приятно. В её работах присутствует и японский мотив, и европейский романтизм, но это взгляд автора, её чувствительность . Критик судит по-иному. Психологическое воздействие некоторых работ «давит» на зрителя, её романтизм называют абстрактным. Может, этим, Намико и хочет призвать внимание зрителя к своим работам? С другой стороны, она очень любит фотографировать цветы, с помощью которых люди выражают свои чувства, а также всё, что происходит в окружающем мире.  В любом случае  заметна меланхоличность души в работах. Но ведь душа хотела побыть в уединении? Китаура пытается визуализировать тонкости иного состояния человека, находящегося одновременно в депрессии и страсти,  в  комфорте и грусти, в спокойном состоянии и хаосе. Она пытается изобразить красоту в видимом многим уродстве.

Сайт Намико Китауры http://www.namikokitaura.com/ .

www.zenaholloway.com

Андреас Гурский родился 1955 году в Лейпциге (Германия). Постигать азы и тонкости фотоискусства Андреас начал у отца, который был успешным рекламным фотографом. Далее – два года учёбы в Школе Фолькванг (Эссен) и Государственной академии искусств в Дюссельдорфе. В среде профессиональных художников формировалось мастерство Андреаса Гурского.

Любимые темы ранних работ немецкого фотохудожника – отдых и туристические очерки. Со своим фотоаппаратом Гурский побывал в разных уголках планеты: в Гонконге, Каире, Нью-Йорке, Бразилии, Токио, Стокгольме, Чикаго, Афинах, Сингапуре, Париже, Лос-Анджелесе и многих других городах. Более поздние работы направлены уже на эстетику помещений, огромных заводов, магазинов.

Постепенно вырисовался авторский стиль работ Андреаса Гурского: огромные полотна фотографий с практически осязаемой текстурой, сделанные, как правило, с высокой точки съемки. Если раньше мастер демонстрировал миру свои фото «как есть», то с середины 90-х годов он прибегает к обработке снимков на компьютере, чтобы создать предельно большое пространство. Наиболее известная работа Андреаса Гурского – диптих «99 центов» (1999 г.) – была продана по рекордной цене $3 346 456! На огромном полотне скомбинированы несколько снимков, но сделано это так мастерски, что трудно заподозрить подтасовку – всё кажется одним снимком, снятым с одной точки.

Меня лично поражает масштабность работ А. Гурского. На некоторых – хаос, на других – чётко организованный техногенный мир. Но, кажется, что фотограф смотрит на мир как-то свысока. Люди на его полотнах безликие, все одинаковые, а вот огромные здания (неважно, снаружи или изнутри) показаны ярко, разнообразно. Неужели это главное в жизни?!

Да, полотна Гурского масштабны; да, они грандиозны, но слишком уж безжизненны. Человек в его толпе затерялся надолго и безнадёжно. А впрочем, может, автор и хотел именно это показать? Показать, как умирает личность в толпе и остаётся только одноликая масса на фоне прогресса, красивых зданий, многоуровневых дорог, ровных рядов супермаркетов, где всё доступно (например,   по 0, 99 $!), но никому не нужно… Что ж, всё может быть. По крайней мере, я именно так и воспринимаю некоторые его работы. А вы?

И, действительно, знакомясь с  его работами о  дикой природе понимаешь:  талантливый человек , талантлив во всем. Невозможно остаться равнодушным видя эти пейзажи. Сквозь призму своего видения фотограф позволяет окунуться в мир буйства красок, позволяет почувствовать себя частью природы. Красота природы раскрывается в полную силу.  Что поражает особенно- одновременно можно увидеть безмерную силу и величие природы и тут же трогательную хрупкость и беззащитность перед человеком.

Одно из отличий фотогафий Джека Дикинга- это то, что целью является помочь человеку проникнуть в природу, ощутить её свежесть, свободу, безграничное спокойствие.

Особенно хочеться отметить серию фотографий с каменными глыбами. Удивительно, как где-то вдали, нетревожимая человечеством природа сама, по каким- то только ей ведомым законам столетиями создавала эти каменные изваяния. На этих фотографиях можно увидеть, как многотонные глыбы, словно пушинки на ветру, казалось бы застыли на секунду и сейчас с новым порывом ветра полетят дальше. Или тут же рядом, как будто уставшие путники присели на минутку и сейчас уже уходят дальше, вдаль…

Нужно отдать дань уважения фотографу, который сумел разглядеть эти образы, сумел представить их под нужным ракурсом, чтобы даже простой обыватель смог впечатлиться, проникнуть душой и в простом камне увидеть трогательное, вечное, незыблемое.

Нужно отметить, что основной целью Джека Дикинга являеться не просто отображение природы, а попытка защитить нашу планету от нас же самих.Его работы становятся почвой для раздумий о том,что мы, урбанизированные жители, давно перестали замечать. Вернее стали считать данностью, просто фоном, бесцветным и бездушным. Перестали замечать красоту, великолепие красок, нежность полутонов. Восторг и безмолвная покорность, желание мчаться без  оглядки или застыть на века. Все эти чувства возникают при взгляде на работы Джека Дикинга.

«Увидев рассвет в горах, я понял чего мне не хватало в жизни» ( Джек Дикинга )

http://www.dykinga.com